Drehbuch: Mark Protosevich, Akiva Goldsman
Regie: Francis Lawrence

Kurz & knapp:
„Cast Away“ in Manhattan + Monster
Note: 2-

Neville: „What the hell are you doing out here Fred?! How did you get out here?! Fred, if you’re real, you better tell me right now!“

Ein wenig fühlte ich mich bei bestimmten Szenen an „I, Robot“ erinnert: Will Smith kämpft allein gegen eine Vielzahl von bösartigen, sehr ähnlich aussehenden Wesen, die eindeutig computeranimiert waren. Zum Glück hat sein neuer Film aber mehr zu bieten als dies und das zusätzliche Verb im Titel.

Es gibt Anblicke, die unheimlich wirken, weil man das Gefühl hat, daß sie einfach nicht sein sollten. Filmemacher versuchen schon seit jeher, solche Momente zu erschaffen, und manchmal gelingt es ihnen so gut, daß diese eine Szene es ist, an die man sich später am besten erinnern kann, wenn man an einen Film denkt. Mich hat in „Vanilla Sky“ der menschenleere Times Square beeindruckt, 2002 das leere London in Danny Boyles „28 Days Later“ noch mehr, und davor 1995 die menschenleeren Straßen Philadelphias in „12 Monkeys“. Orte, die normalerweise nur so von Menschen wimmeln, können nicht plötzlich völlig verlassen sein, ohne daß etwas ganz und gar nicht stimmt.

Wenn nun ein Roman vom letzten Mensch auf der Welt handelt, ist es ein gefundenes Fressen für eine Filmversion, dies so drastisch wie möglich in Szene zu setzen, und schon die 1971er Version von „I Am Legend“ mit Charlton Heston hat solche Szenen beinhaltet. Wenn jedoch 30 Jahre später ein Remake gemacht wird, dann reicht es nicht, solche Szenen ähnlich gut zu präsentieren, und dabei hat man es in der aktuellen Version auch nicht gelassen.

Die Szenen vom ausgestorbenen Manhattan mit Mengen verlassener Autos, in dem sich langsam die Pflanzen wieder ausbreiten und auch einige Wildtierarten wieder heimisch geworden sind, dominieren ungefähr das erste Drittel des Films, in dem gezeigt wird, wie ein einsamer Will Smith mit seiner Hündin Sam auf die Jagd geht, sich mit lebensnotwendigen Dingen versorgt und sich auch mal kurz mit aufgestellten Schaufensterpuppen zu unterhalten versucht.

Aber noch während man sich an der ungewohnten Optik dieses New Yorks nicht satt gesehen hat, wird deutlich, daß sich mehr dort verbirgt, daß der Protagonist Robert Neville trotz seiner gut gesicherten Wohnung und seinem ansehnlichem Waffenarsenal große Angst vor dem hat, was nicht zu sehen ist, was sind tagsüber in den Ruinen der ehemaligen Weltmetropole verbirgt.

Es spricht für Will Smith (oder für den Regisseur, der ihm dies abverlangt hat), daß er diesmal tiefere Emotionen spielt, als in seinen meisten Filmen, er diesmal wirklich durch und durch ernst bleiben und auch Angst zeigen darf, besonders in der Szene, als Sam in einem der vielen düsteren Ruinen verschwindet und er ihr in Panik folgt, vor lauter Angst aber kaum folgen kann, es aber dennoch tut, weil er die Gefahr für Sam dort kennt oder zumindest ahnt, und Sam alles ist, was er von seiner Familie noch hat, Sam alles ist, was ihm überhaupt an Gesellschaft in dieser Welt noch geblieben ist, Schaufensterpuppen nicht mitgerechnet.

Der sonst oft auf selbstsichere und leicht arrogante Actionhelden geeichte Schauspieler darf diesmal nach und nach durchblicken lassen, daß Golfspielen, DVDs und alte Fernsehaufzeichnungen anschauen nur oberflächlich eine Art Alltag ersetzen, es tief ihn ihm aber schon zu größeren Schäden gekommen ist. Woher diese unter anderem stammen zeigt auch eine Reihe von Rückblenden zum Zeitpunkt des Ausbruchs der Epidemie, die hauptsächlich ihn und seine Familie zeigen.

Es gibt eine wichtige Szene in diesem Film, die ihn – meiner Meinung nach – in zwei Teile trennt. Sie beginnt, als er plötzlich eine seiner Schaufensterpuppen an einer falschen Stelle stehen sieht, und er mit einem Schlag wieder die Fassade der Normalität verliert und seine psychischen Schäden deutlich werden: Er ruft der Puppe etwas zu, als erwarte er diesmal wirklich eine Antwort, spielt mit der Idee, es könne ja doch ein Mensch sein, weiß sich nicht anders zu helfen, als auf sie zu schießen, fühlt sich plötzlich beobachtet und schießt wahllos auf die ihn umgebenden Hochhäuser. Es ist zwar wirklich nur eine Puppe, aber sie wurde dorthin gestellt, um ihn in eine Falle zu locken, und hiermit beginnt für mich der zweite Teil des Films, in dem er zwei weitere Menschen kennenlernt, und nach wenigen Szenen mit den Neuankömmlingen wird der bisher psychologisch angehauchte Gruselfilm zu einer Mischung aus Zombiehorror und eben Kampfszenen wie in „I, Robot“.

Die Falle, in die er tappt, zeigt, daß Neville sich über die Geistesleistungen der Vampirzombies irrt; sie sind eben nicht völlig entmenschlicht, wie er sich einredet, sie planen, kommunizieren und haben auch einen Anführer. Leider wirken sie hin und wieder wie Computereffekte, die sie ja oft auch sind, und auch den Rehen zu Beginn des Films sieht man ihre Herkunft zu deutlich an. Heutzutage sollte man das bei einem Budget von 150 Millionen Dollar besser machen können.

Was der kleine Junge (einer der beiden Neuankömmlinge) in der Handlung zu suchen hat, erschließt sich mir nicht. Er hat kaum etwas getan und rein gar nichts gesagt, daher hätte er ersatzlos gestrichen werden können.

Das Ende des Films wirkt ein wenig wie die ursprüngliche Kinofassung von „Blade Runner“, und hinterläßt den Eindruck, daß man nur die Stadt verlassen muß, und alles wird gut. Das düstere Ende des Romans und der Verfilmung von 1971 wären konsequenter gewesen, und besonders die Erkenntnis des Protagonisten, daß er von den Wesen als Monster angesehen wird, weil er seit Jahren Jagd auf sie macht, vermisse ich hier leider, aber zumindest ist es nicht ganz so kitschig, wie es hätte sein können.

Ich habe etwas entdeckt, das ich gerne weiterreichen möchte, obwohl es weder mit Filmen noch mit Serien zu tun hat. Ich bin heute morgen mal wieder von meinem Radiowecker mit dem Song „Hey There Delilah“ von Plain White T’s geweckt worden, und es gibt durchaus schlechtere Wecklieder, meiner Meinung nach.

Ich weiß wie so oft nicht warum, aber ich habe eine kleine Internetrecherche gestartet und nicht nur herausgefunden, daß die besungene Delilah einen Nachnamen hat, sondern auch, daß es eine wunderbare Parodie auf diesen Song gibt. Diese Version hat mir heute den ganzen Tag über gute Laune verschafft, und das schaffen „lustige“ Songs nur sehr selten.

Viel Spaß dabei!

Performed by Robert Lund
Lyrics by M. Spaff Sumsion

Dear Mr. Higgenson: It’s me, Delilah’s lawyer
I am writing to inform you there’s
A third restraining order
In effect
The first two haven’t stopped you yet
She’s quite upset

May I remind you, Tom, my client doesn’t like you
Yet you keep composing songs for her
Which means you have the IQ
Of a brick
You couldn’t „hit that“ with a stick
Please seek help quick

Oh, we’re watching you, you creep
Oh, we’re watching you, you creep
Oh, we’re watching you, you freak
Oh, it’s what we do all week
All the stupid week

Do not address Delilah’s mother as a MILF and
Please desist from mailing puppy dogs
And photos of yourself in
Plain white T’s
And next time put some pants on, please
Nice cottage cheese

My client’s gone in hiding halfway ‘cross the nation
But you evidently stalked her to
Her undisclosed location
In New York
You put it in your song, you dork
We’re freaking torqued

Oh, were watching you, you creep
Oh, we watch you when you sleep
Oh, we watch you when you eat
Oh, we watched you take a leak

A thousand miles seems pretty far
But you’ve used planes and trains and cars
And pogo sticks and Segways and a horse
But we’ve got warrants out for you
So, Romeo, if you try to
Go near her, you’ll regret the choice, of course
There’s lots of guys who’d gladly pay
To make your love song go away
They’ll quickly take you down without remorse
With deadly force

Dear Mr. Higgenson: This isn’t ’cause I’m jealous
That I left the band for law school while
You got rich with the fellas
With your song
Here’s why I took this client on:
Like you, I’ve wanted her so long
So it’s so nice to sue you, Tom
P.S. How’s Mom?

Drehbuch: Ian Jeffers, Brian Garfield
Regie: James Wan

Kurz & knapp:
Charles Bronson lebt
Note: 3-

Bones Darly: „Go with God, and a bag full of guns.“

Subtilität ist nicht gerade die Stärke von James Wan, dem Regisseur von „Saw“ und Executive Producer von „Saw II“ bis „Saw V“. Mit „Death Sentence“ hat er nun einen Roman von Brian Garfield verfilmt, der 1972 die Romanvorlage zu „Death Wish“ lieferte, dem berüchtigten „Ein Mann sieht rot“ mit Charles Bronson, der auch in der lose an diesen Roman angelegten Reihe „Death Wish II“ bis „Death Wish V“ zu sehen war. Zwar ist „Death Sentence“ schon 1975 erschienen, wurde aber nicht als Grundlage für „Death Wish II“ ausgewählt, sondern erst jetzt, 30 Jahre später mit Kevin Bacon verfilmt.

Alles beim Alten: Vater verliert seinen Sohn durch eine Gang, die Staatsanwaltschaft ist wegen fehlender Beweise relativ machtlos, Vater tötet den Mörder seines Sohnes, Gang rächt sich am Vater und dem Rest der Familie, Vater rüstet auf und knallt alles ab, was ihm vor den Lauf gerät.

So banal das klingt, stellenweise ist der Film nicht schlecht in Szene gesetzt, besonders Kevin Bacons atemlose Flucht vor der Gang funktioniert ziemlich gut. Aber schon die Darstellung der Gangmitglieder ist so einseitig, wie sie nur sein kann: Der Obermotz tötet an einer Stelle seinen eigenen Vater (John Goodman als widerlicher Waffenhändler), der wiederum kein Problem damit hätte, wenn sein Sohn erschossen wird, mehr noch, er verkauft dem potentiellen Mörder seines Sohns selbst die Waffen dazu. Hinzu kommt, daß der nicht gerade subtile Regisseur gleich mehrere Szenen in blutrotes Licht taucht, so daß diesmal auch der geneigte Zuschauer rot sehen darf.

Wenn der von Rachegelüsten getriebene Vater dann die letzten Vorbereitungen trifft, sich mit den Waffen vertraut macht, sich das Haupthaar abschneidet und die Waffen durchlädt, werden bereits schwache Erinnerungen an „Rambo II“ wach. Das Ende des Films ist dann auch das leider zu erwartende Schlachtfest, bei dem mit dem einen oder anderen Schuß auch mal der eine oder andere Körperteil abgetrennt wird.

Am Ende hat dann eigentlich niemand gewonnen, auch nicht die Produzenten oder der Zuschauer.

Drehbuch: Christopher Hampton, Ian McEwan
Regie: Joe Wright

Kurz & knapp:
Der Unterschied zwischen Kunst und Kitsch
Note: 2

Briony: „But what sense of hope, or satisfaction, could a reader derive from an ending like that?“

Die 13-jährige Briony beobachtet in den 40er Jahren die sich entwickelnde Liebe zwischen ihrer älteren Schwester Cecilia (Keira Knightley) und dem Angestellten Robbie Turner mit einer Mischung aus Eifersucht und Unsicherheit. Durch einige Mißverständnisse dazu verleitet behauptet sie gesehen zu haben, wie er ein Mädchen vergewaltigt hat.

Um aus dem Gefängnis zu kommen, zieht er in den Krieg gegen Deutschland, während Cecilia als Krankenschwester an der Front tätig ist. Ihre schrecklichen Erlebnisse stehen im harten Kontrast zu ihren Leben zuvor, und die Lüge der kleinen Schwester wirkt sich nicht nur auf das verhinderte Liebespaar aus, sondern auch auf sie selbst. Sie folgt ihrer Schwester als Krankenschwester an die Front, und Jahrzehnte später, selbst längst eine alte Frau, schildert sie ihn ihrem letzten Roman die Tat, die sie sich selbst niemals vergeben hat.

Wenn Keira Knightley auch mittlerweile sehr bekannt ist, geht es dem Film vielleicht doch etwas mehr um die kleine Schwester, die gleich von drei Darstellerinnen gespielt wird: Zunächst als Teenager von Saoirse Ronan, die ihr fast schon etwas Unheimliches gibt, weil man ihr nicht ansieht, wo Unwissen endet und Berechnung beginnt, später dann als junge Frau von Romola Garai, die leider recht blaß bleibt, und letztlich dann von Vanessa Redgrave, die zwar nur einen kurzen aber höchst wichtigen Auftritt hat.

Trotz des Themas schaffen es Regisseur Joe Wright durch kreative Perspektivenwechsel und sein Kameramann Seamus McGarvey mit ruhigen Steadycamaufnahmen das Niveau jederzeit weit über eine Groschenromanverfilmung zu halten, und die Hauptdarsteller lassen auch einige Längen am Anfang fast verschwinden.

 Drehbuch: Roderick Taylor, Bruce A. Taylor, Cynthia Mort
Regie: Neil Jordan

Kurz & knapp:
Psychologischer Thriller über ein Opfer, das zum Täter wird
Note: 2

Erica: „I always believed that fear belonged to other people. Weaker people. It never touched me. And then it did. And when it touches you, you know… that it’s been there all along. Waiting beneath the surfaces of everything you loved.“

Nach einem Überfall, bei dem sie schwer verletzt und ihr Verlobter getötet worden ist, besorgt sich die Radiomoderatorin Erica Bain eine Schußwaffe, weil sie sich kaum noch traut, aus dem Haus zu gehen. Ihre Vorstellung von einem sicheren Leben in der Großstadt ist erschüttert, und das offenbar zurecht, denn kurze Zeit später wird sie Zeuge eines Überfalls auf ein Geschäft, in dem sie sich befindet, und um ihr Leben zu retten, erschießt sie den Täter.

In den Augen wohl eines jeden Menschen war dies Notwehr, obwohl es verdächtig erscheint, daß sie die Kassette der Überwachungskamera mitgehen läßt. Bei einem weiteren Zwischenfall, diesmal in der U-Bahn, nimmt sie nicht wie die anderen Leute die Möglichkeit wahr, den Zug zu verlassen, sondern bleibt ruhig sitzen. Als sie dann tatsächlich bedroht wird, erschießt sie auch diese beiden Täter. War auch dies noch Notwehr? Es gibt in Deutschland den Grundsatz, daß das Recht dem Unrecht nicht zu weichen hat, und doch bekommt der Zuschauer bereits ein wenig das Gefühl, daß sie sich den Ausgang des Geschehens herbeigewünscht hat, sie hat nicht mit der Waffe gedroht, sie hat einfach geschossen.

Ihre psychische Verwandlung von Opfer zu Rächer hat begonnen, und immer deutlicher wird, daß sie Situationen sucht, um von ihrer Waffe Gebrauch machen zu können. Letztlich sucht sie sich sogar ihr Opfer aus, tötet jemanden, der ihr sonst vermutlich nie begegnet wäre. Diese zielgerichtete Selbstjustiz zeigt, daß sie die Grenze zwischen Opfer und Täter weit überschritten hat.

Eine interessante Rolle kommt dem Polizisten zu, der sie zwar bald durchschaut hat, aber auch Verständnis für sie aufbringt und sogar Zuneigung zu ihr empfindet. Statt lediglich Jäger und Gejagte zu sein entwickelt sich zwischen ihnen eine leichte Romanze, was dem Film eine weitere Ebene verschafft. Leider wirkt das Ende dann aber so, als habe das Studio zu Nachdrehs gerufen, um ein happy ending zu schaffen, das recht unerwartet kommt, unglaubwürdig wirkt, dem Film insgesamt aber nicht sehr schadet.

Drehbuch: Hans Bauer, Craig Mitchell
Regie: Wai-keung Lau, Niels Mueller (reshoots)

Kurz & knapp:
Zwischen düsterem, deprimierendem Drama und reißerischem Thriller
Note: 3-

Boss: “The offenders are offended!”

Richard Gere spielt einen Bewährungshelfer für Sexualstraftäter, von denen es nach Auskunft des Films über eine halbe Million in den USA gibt, und nur auf jeden Tausendsten eine Person kommt, die sie überwacht. Rückfällig werden viele dieser Täter, und dementsprechend untolerant agiert dieser Erroll Babbage, wenn es um seine Schäfchen geht, sein Flock, das er zu hüten hat.

Aber auch seinen Kollegen kommt dieser getriebene Mensch nicht ganz geheuer vor. Er soll bald in Rente gehen und nur noch seine Nachfolgerin ausbilden, wird nach einem Zwischenfall in einem Restaurant jedoch vorzeitig in den Ruhestand geschickt. Er läßt natürlich nicht locker und will noch eine verschwundene Frau aufspüren, die er in der Gewalt eines seiner Straftäter glaubt.

Es ist schon extrem praktisch , daß er so pünktlich zu seiner Rente aller Welt und seinen Kollegen zeigen kann, daß er mit seiner Vorgehensweise schon immer recht hatte, und natürlich auch erfolgreich ist in seinem Bestreben, die Vermißte zu retten, selbstverständlich in letzter Sekunde.

Alle Beteiligten spielen sehr solide, aber mich stört es doch sehr, wie der Film im Editing stellenweise so zurechtgeschnippelt und vertont wurde, als sei es eine Mischung aus MTV-Spot und übernatürlichem Thriller. Ein so ernstes Thema hätte ein etwas glaubwürdigeres Drehbuch und eine seriösere Aufmachung verdient.